joseph beuys (1921-1986)
kunst=kapital

firmato joseph beuys in basso al centro
pennello, contenitore di colore e cibachrome su pannello di alluminio
cm 225x100
eseguito nel 1979-1984
provenienza: galleria lucio amelio, napoli
fotografia dell’opera autenticata da eva beuys e wenzel beuys della joseph beuys estate, düsseldorf
bibliografia: joseph beuys, sei stanze per beuys a venezia, a cura di helmut friedel-giovanni iovane, edizioni electa, milano, 2000, copertina e pagina 141, numero 123
esposizioni: joseph beuys, die soziale plastik, accademia di belle arti, napoli, 1987;
sei stanze per beuys a venezia, fondazione bevilacqua la masa, venezia, 18 giugno-8 ottobre 2000

l'opera ha subito un intervento di restauro consistente nella rigenerazione e nella stabilizzazione dell'emulsione riportandola alla compattezza originale.

a 23 anni dalla sua morte joseph beuys è tra gli artisti più apprezzati, considerati e discussi. esponente di spicco dell’avanguardia europea, diviene subito promotore di una geniale ed entusiasmante visione artistica i cui dettami saranno presto fondamenti per tutta l’arte contemporanea europea e statunitense. co-fondatore del gruppo  fluxus, beuys, già dagli anni sessanta, realizza le prime performance dove diviene primaria la necessità di coinvolgere il pubblico e renderlo partecipe e consapevole.

le sue dissacranti actions, nelle diverse sfumature, stupiscono e coinvolgono appieno la figura dell’uomo, che nello stesso momento interpreta il doppio ruolo di attore e di spettatore cosciente della propria posizione.

contemporaneamente fonda organizzazioni volte a propugnare un ecologismo spiritualizzato, che denotano un forte interesse dell’artista nei confronti della natura.

nel 1979 il guggenheim museum di new york gli dedica una grande retrospettiva, mentre agli inizi degli anni ottanta le sue opere sono presenti in collettive di straordinaria importanza.

le diverse mostre contribuiscono ad accrescere il fascino ed il consenso ottenuto dalle sue opere.

in questa fase si colloca l’opera presentata. kunst=kapital, un simbolo, uno slogan che concorre ad elevare in modo esponenziale le ricerche e le motivazioni dell’artista.

kunst=kapital, arte=capitale, presente in numerose opere e indicato su banconote, lavagne e oggetti, rientra appieno nello spirito provocatorio, proprio dell’artista, teso a far riflettere il pubblico sul ruolo dell’arte nella contemporaneità.

in una società dominata dal denaro, considerato come il valore primario in assoluto, beuys afferma una nuova proposizione in cui il vero capitale è la creatività umana.

l’artista finisce in questo modo col riflette su una delle concezioni che ha condizionato maggiormente la società contemporanea occidentale, quella del capitalismo, ed approfondisce tale concetto attraverso la conoscenza diretta di riflessioni teoriche come quella dell’economista adam smith.

beuys decide così di usare la propria voce e soprattutto la propria immagine come arma per colpire la società capitalista nata con la seconda guerra mondiale, secondo la concezione che l’arte può migliorare la vita umana.

«l’elemento più importante per colui che guarda i miei oggetti è la mia tesi fondamentale: ogni uomo è un artista. è anche il mio contributo alla storia dell’arte». joseph beuys

jan fabre (1958)
tempel voor kyoto - homage a mishima (dalla serie thinking models)

scultura in legno con foglia d'oro con base in legno in teca di plexiglas
cm 43x24x26
eseguita nel 1999-2000
provenienza: mario mauroner contemporary art, salzburg - vienna
bibliografia: jan fabre, kijdozen en denkmodellen 1977-2005. boîtes à images et modèles de pensée, edito da vision publisher 2006, waregem belgium, pagina 299

artista eclettico e versatile jan fabre si è distinto sin dai primi anni ottanta per la sua personalissima concezione artistica. regista di teatro ed opera, performer, coreografo, editore, autore ed artista visivo, ha sempre considerato le varie forme di espressione creativa come manifestazioni parallele e interconnesse di un unico pensiero artistico.

la serie “thinking models”, di cui fa parte l’opera  tempel voor kyoto raccoglie veri e propri esercizi di immaginazione, attraverso i quali l’artista riesce a dare forma alle intuizioni creative. dall’osservazione di opere d’arte del passato o del mondo naturale emergono infatti disegni o sculture che vengono recuperate dall’artista nelle sue varie sperimentazioni.

l’opera presentata è dedicata al celebre scrittore giapponese yukio mishima, che al tempio del padiglione d’oro e alle sue bellezze estetiche e spirituali aveva dedicato un testo di narrativa nel 1959. nel lavoro di fabre lo stesso tempio diviene uno spazio sacro in cui origina ogni arte. memore della tradizione dei dipinti antichi e con particolare riferimento alle tavole fiamminghe, l’artista utilizza l’oro per enfatizzare la sacralità dello spazio, ed in antitesi alla natura umana, fallace ed imperfetta, propone la figura dell’angelo, autentica ed unica a cui l’uomo aspira costantemente, facendo di essa la sua guida perfetta del tempio.

mimmo paladino (1948)
il pane della storia

firma incisa m paladino sulla base
scultura in bronzo
cm 35,5x66x44
siglata p.a. sulla base
edizione di 5 esemplari +1 p. a.
eseguita nel 1988
esposizioni: mimmo paladino. bronze and iron sculpture 1987-2000, waddington galleries, london, 2003
bibliografia: jean luc chalumeau and cathrine frolic, sculpture of the '80's, brussel 1990, pagina 151 (illustrato altro esemplare).
forte belvedere, mimmo paladino, firenze 1993, pagina 152 n. 19, (illustrato altro esemplare)
a.a.v.v., paladino, catalogo della mostra tenuta a napoli nel 1995-1996, milano, charta, 1995, p. 149 (illustrato altro esemplare)
l'autenticità dell'opera è stata confermata verbalmente dallo studio paladino, paduli (bn)

il pane è uno dei temi ricorrenti nell’opera di mimmo paladino, grande protagonista della transavanguardia, movimento artistico teorizzato nei primi anni ’80 dal critico achille bonito oliva.

intimamente legato alla natura umana il pane emerge in molte e significative opere dell’artista sia come elemento religioso per eccellenza, che come fonte di sostentamento dei popoli.

dall’esperienza derivata dalla sua terra di origine, la campania, e in particolare il beneventano, paladino associa il pane ai popoli e alla loro lotta per la sopravvivenza.

nel pane della storia, opera qui proposta, infatti, la scultura si riduce all’essenziale nelle forme e nel colore, ed il pane evoca, insieme al carro e alla tazza, vicende di un’umanità semplice, tesa verso le sue origini, in una narrazione che volutamente si pone fuori dalla storia. .. il pane: sia come elemento vitale, come primarietà di sostentamento dell’uomo, sia come simbologia che appartiene a un mondo popolare cristiano. come nella leggenda cristiana il pane ha una doppia valenza, di cibo per il corpo e di cibo spirituale. (demetrio paparoni, paladino e il pane, in a.a.v.v., paladino, catalogo della mostra tenuta a napoli nel 1995-96, p. 151)

robert longo (1953)
study for heads will roll ii

acrilico, pittura e matita su carta in cornice
cm 109,2x236,2x15,3
eseguito nel 1984
provenienza: metro pictures, new york
galleria lia rumma, napoli
collezione ernesto esposito, napoli

considerato tra gli artisti americani più interessanti, robert longo si è dedicato, nel corso della sua carriera, alle più varie forme creative tra cui, oltre a pittura, scultura e disegni, anche installazioni, cinema e musica. i primi anni ottanta sono quelli in cui robert longo si afferma sulla scena artistica internazionale; è infatti del 1981 la personale men in the cities presso la metro pictures gallery di new york, dove la celebre serie omonima si impone per la sua originalità attraverso la rappresentazione di figure danzanti di uomini e donne in abiti formali.
nel corso di quegli stessi anni robert longo, ispirato dalla scena artistica newyorkese, realizza il ciclo di opere heads will roll, di cui fa parte l’opera presentata e in cui il  riferimento allo stesso clima culturale che era stato alla base di men in the cities è evidente .
anche in quest’opera si nota, infatti, la particolare influenza dell’ambiente musicale ed artistico degli anni ottanta, tanto che  il titolo è tratto da uno dei più famosi album degli yeah yeah yeahs e nell’opera appare il ritratto di david byrne, celebre cantante del gruppo talking heads, rock band attiva a new york proprio in quegli anni.

hans hartung (1904-1989)
t1974-r10

firmato e datato hartung 74 in basso a destra
acrilici su tela
cm 92x65
eseguito il 15-8-1974
firma, data e titolo sul retro
provenienza: galerie daniel gervis, paris
opera registrata presso la fondation hans hartung et anna-eva bergman, con il numero ct 1868-0

vicino sin dagli esordi all’informale, tra i primi esponenti della action painting, hans hartung iniziò già nel corso degli anni venti ad elaborare una personalissima ricerca pittorica in cui elemento chiave era la macchia. dopo le vicende belliche della seconda guerra mondiale, riprese il discorso interrotto negli anni precedenti, passando all’elaborazione di segni scuri sovrapposti ed interconnessi a superfici dai colori accesi e dalle tonalità sfumate. l’artista, infatti, attraverso l’avvicinamento di questi due elementi riusciva a mettere a fuoco il rapporto di tensione esistente tra colore e linea. per lui la pittura astratta era, non un semplice genere artistico, ma un vero e proprio linguaggio umano, l’esternazione attraverso i segni della propria esperienza di vita.

nel corso degli anni sessanta le sue opere furono arricchite da elementi tridimensionali, nel momento in cui l’artista iniziò a incidere sulla superficie pittorica varie linee scanalate. parallelamente sperimentò nuove tecniche adoperando pistole a spruzzo, pennelli di grandi dimensioni, rulli, colori acrilici e vinilici, così da agire in modo più diretto, spontaneo e personale sulla superficie pittorica.

la tela qui presentata, attraverso l’alternanza di tonalità che vanno dal grigio al nero, mette in luce l’importanza del processo creativo come momento estremamente energico e ricco di tensione emotiva, idea che è sempre stata alla base dell’arte di hartung sin dai primi esperimenti. la linea, ben dialogando con la superficie cromatica, racchiude in sé una forte espressività densa di valore umano, esternazione diretta della vita dell’artista.

damien hirst (1965)
senza titolo

firmato damien hirst in basso a destra
monoprint su carta
cm 119x108 (foglio)
eseguito nel 2008
esemplare unico
siglato u.p. (unique print) in basso a sinistra
opera registrata presso gli archivi damien hirst science ltd, con il numero 11242

giorgio de chirico (1888-1978)
i dioscuri

firmato g. de chirico in basso a destra
olio su tela
cm 40x50
eseguito nel 1960/1967
esposizioni: museo civico di pinerolo, palazzo vittone, maestri italiani, aprile-maggio 1969
provenienza: galleria d'arte moderna il ridotto, torino;
galleria d'arte moderna l'approdo, torino;
galerie d'echdt, amsterdam;
galleria people, torino;
collezione ezio gribaudo, torino
bibliografia: catalogo generale delle opere di giorgio de chirico, electa editrice, volume iv, opere dal 1951 al 1972, scheda numero 594 (illustrato)

negli anni cinquanta e sessanta de chrico ritorna periodicamente ai suoi temi metafisici, intrisi di quel sapore neoclassico e di una particolare propensione ai temi mitologici. nei dioscuri, l’opera qui proposta, le due figure appaiono vicine ai loro cavalli, in un paesaggio marino, come li vuole la tradizione classica che riconosceva nei due gemelli i protettori dei cavalieri. sul promontorio in lontananza si staglia un tempio, ricordo - insieme ad un frammento di colonna posto sulla spiaggia - della classicità. il panneggio rosso e l’impennarsi del cavallo sulla destra donano alla scena un lieve movimento suggerito anche dalle nuvole accennate sul cielo cinereo.
quello dei dioscuri, simbolo del doppio e dell’amore fraterno tra i personaggi, è uno dei soggetti più cari all’artista fin dagli anni venti. giorgio de chirico e il fratello alberto savinio, infatti, amavano identificarsi con i leggendari gemelli castore e polluce, mitici eroi legati da un destino indissolubile. lo stesso savinio per riassumere un sodalizio artistico e una comunanza di intenti affermerà: «in due avevamo un solo pensiero».

filippo de pisis (1896-1956)
fiori nel bicchiere

olio su tavola
cm 81,7x18,5
eseguito nel 1940 ca.
provenienza: galleria accademia, torino
opera registrata presso il catalogo dell’opera di filippo de pisis, a cura di luciano caramel, claudia gian ferrari e filippo tibertelli de pisis, milano, con il numero 03141

renato guttuso (1912-1987)
paesaggio di velate

firmato guttuso in basso a sinistra
olio su tela
cm 56x65
eseguito nel 1962
firmato e datato sul retro
provenienza: galleria dell'annunciata, milano
bibliografia: catalogo ragionato generale dei dipinti di renato guttuso, a cura di enrico crispolti, milano 1984,tomo ii, pagina 252, numero 62/78 (illustrato)

il paesaggio di velate, sia la casa, i loro tetti fra il verde, sia il panorama dei laghi e dei monti dal 1956-57 è diventato un appuntamento costante dell’immaginazione di guttuso, particolarmente fra estate e autunno (…) di intensa rinnovata frequentazione all’inizio degli anni sessanta. (enrico crispolti, catalogo ragionato generale dei dipinti di renato guttuso, milano, mondadori, 1984, tomo i, p. lxxiii)
questo paesaggio, realizzato nel 1962, ripropone il caratteristico profilo delle montagne in lontananza su cui si distinguono in basso i tetti di velate, piccolo borgo medioevale tra i luoghi prediletti da guttuso, oltre alla sua natia sicilia.
la rossa luce del tramonto, resa con sapienti pennellate al di sopra della linea blu dei monti, avvolge l’intera scena in un’atmosfera di serena tranquillità. molte delle opere di guttuso sono state realizzate proprio in questo luogo dove l’artista amava rifugiarsi e pensare, in un clima di riflessione intellettuale che gli permise di dipingere alcuni tra i suoi più bei paesaggi.
i paesaggi di velate del 1962 (…), in questo senso senza soluzione di continuità rispetto a quelli del 1961 (…), sviluppano una sensitività molto accesa, nel clima di distensione lirico-evocativa che accende sì la materia pittorica, densa, quasi persino talmente goduta, a volte, ma al tempo stessa permette l’approdo in un’istintiva maggior chiarezza compositiva. (enrico crispolti, catalogo ragionato generale dei dipinti di renato guttuso, milano, mondadori, 1984, tomo ii, p. lxxxviii)

robert mapplethorpe (1946-1989)
capri

firmata e datata robert mapplethorpe '83 in basso a destra
fotografia in bianco e nero
cm 50,5x40,5
eseguita nel 1983
esemplare unico
provenienza: galleria lucio amelio, napoli

tra gli artisti più discussi del ventesimo secolo, robert mapplethorpe si distinse soprattutto come fotografo. il suo intento era quello di ribadire il ruolo della fotografia come disciplina autonoma all’interno delle arti figurative.
la sua arte affrontò temi vari e spesso ardui, in una ricerca dell’inaspettato che coinvolgesse tanto lo spettatore, quanto lo stesso artista. dopo un primo uso delle polaroid come mezzo di un più diretto contatto tra macchina e soggetto, si specializzò in ogni tecnica fotografica. fu ritrattista di alcuni dei più significativi personaggi degli anni settanta e ottanta, sempre con uno sguardo personale, teso a far emergere la vera natura dalla persona ritratta.
durante gli anni ottanta l’attenzione di mapplethorpe si è concentrata sull’analisi del soggetto, nel tentativo di sottolineare una concezione formale di bellezza di impronta classica. nelle sue fotografie ha scelto spesso di cogliere giochi di luce ed ombra generati dai suoi modelli, come nei numerosi studi di fiori o nella raffigurazione di corpi nudi nel loro plastico immergersi ed emergere dalla fonte luminosa.
l’artista frequentò in varie occasioni napoli e l’isola di capri in compagnia di lucio amelio, nella cui galleria mapplethorpe espose i suoi lavori svariate volte.
l’opera qui presentata capri è un esemplare unico scattato da mapplethorpe nel 1983 proprio durante una delle sue visite sull’isola a cui questo lavoro è intitolato ed espressamente dedicato.

josef albers (1888-1976)
homage to the square

olio e tecnica mista su carta
cm 28,5x28,5
eseguito nel 1950 ca.
provenienza: edward totah gallery, londra

bibliografia: josef albers, a cura di getulio alviani, l'arcaedizioni, 1988, milano, pagina 131 numero 197 (illustrato con errate dimensioni e tecnica) 

allievo e poi professore all’interno del bauhaus, josef albers inizia sin da giovane una personale ricerca artistica sull’instabilità delle forme, attraverso l’uso di geometrie e dei colori primari.

l’opera qui proposta è particolarmente significativa poiché fa parte della celebre serie homage to the square che da inizio ad una sperimentazione che, iniziata nel 1950, sarà portata avanti da albers fino alla morte avvenuta nel 1976.

la costante ripetizione del tema è  una dinamica sperimentazione, che, attraverso la riproposizione di uno schema formale rigidissimo di tre o più quadrati di puro colore, iscritti l’uno dentro l’altro, tenta di ricercare la vera essenza dell’opera nei suoi contenuti più reconditi. i colori, infatti, stesi puri sul supporto, non risultano mai immobili, si spostano, vibrano, progrediscono o retrocedono  a seconda di come sono accostati tra loro. anche la collocazione dei quadrati, lievemente spostati verso il basso contribuisce a creare nell’osservatore la  sensazione di movimento e un deciso effetto di profondità.

“il colore è il mezzo più relativo che esista, io posso annientare il rosso più vivo se lo accosto a un violetto, posso far ballare il grigio più triste se lo metto vicino a un nero. faccio quello che voglio con il colore, si comporta come io mi aspetto. niente azzardo o buone o cattive sorprese, so dove vado. sono io che comando” josef albers

pier paolo calzolari (1943)
senza titolo (dalla serie dei capricci)

olio e tempera su tavola
cm 166x160
eseguito nel 1982
provenienza: m. knoedler, zurigo;
collezione privata, roma

andy warhol (1928-1987)
photographs

12 stampe fotografiche alla gelatina bromuro d'argento in cartella con colophon
ciascuna firmata andy warhol sul retro
cm 41x50,5 ciascuna
eseguite nel 1980
ciascuna numerata 13/250 sul retro
edizione a cura della bruno bischofberger gallery, zurich e di andy warhol, new york
provenienza: galleria lucio amelio, napoli
esposizioni: stuttgart, württembergischer kunstverein, 26 agosto - 11ottobre 1992; museum st. ingbert, germany, 18 ottobre - 29 novembre 1992; hamburg, gruner + jahr pressehaus, 5 dicembre 1992 - 8 gennaio 1993; berlin, haus am waldsee, 5 febbraio - 31 marzo 1993; frankfurt, fotografie forum, 7 aprile - 23 maggio 1993; kunsthalle zu kiel, germany, 2 giugno - 25 luglio 1993; brandenburgische kunstsammlungen cottbus, germany, 21 agosto - 3 ottobre 1993; kulturamt der stadt dresden, 9 ottobre - 14 novembre 1993; burg beeskow, germany, 19 novembre 1993 - 2 gennaio 1994; altenburg, germany, staatliches lindenau-museum, 9 gennaio - 13 febbraio 1994; and kunstverein göttingen im künstlerhaus, germany, andy warhol: social disease, photographs '76-'79 (illustrato, in copertina ed alle pagine 39-51, 94); hamburger kunsthalle, 13 maggio - 22 agosto 1999 and pittsburgh, the andy warhol museum, 6 novembre 2000 - 14 febbraio 2001, andy warhol: photography (illustrato, pagine 249-254)




1- bianca jagger at halston's house, new york
2- his holiness pope john paul ii, st. peter's square, rome
3- henry kissinger & elizabeth taylor warner, washington, d.c.
4- truman capote at home, new york
5- salvador dalì & ultra violet, new york
6- diana vreeland, "empresse of fashion", new york
7- halston at home, new york
8- tennesse williams & producer lester persky, new york
9- liza minnelli at halston's house, new york
10- andy warhol, self portrait, montauk, long island
11- peter malatesta & monique van vooren, washington, d.c.
12- bianca jagger, liza minnelli, & jacqueline onassis in liza's dressing room, new york

andy warhol (1928-1987)
high heels and sandals

grafite su carta
cm 60x79,5
eseguita nel 1980
provenienza: estate of andy warhol, andy warhol foundation for visual arts, inc. new york
esposizioni: andy warhol diamond dust shoes, gagosian gallery, new york, settembre - ottobre 1999, catalogo pagina 52
opera registrata presso l'archivio a cura della andy warhol foundation, new york, con il numero 100.005

vik muniz (1961)
pictures of junk: orestes, pursued by the furies, after william-adolphe

digital c-print
cm 127x102
eseguito nel 2006
numerato ap 3/4
provenienza: galeria fortes vilaca, san paolo (brasile)

elger esser (1967)
napoli castel dell'ovo

c-print e diasec face su forex
cm 120x193
eseguito nel 2005, stampato nel 2006
esemplare 5/5, edizione di 5 esemplari
provenienza: galleria alessandra bonomo, roma
collezione privata, napoli
l'opera è accompagnata da certificato firmato dall'artista

francis alys (1959)
senza titolo (cane)

firmata e datata f. alys 99 a destra al centro
tecnica mista su cartone
cm 31,8x27,9
eseguita nel 1999
provenienza: galeria ramis barquet, new york

keith haring (1958-1990)
senza titolo

firmato e datato k. haring 81 in basso a destra
acrilico su carta traslucida
cm 47,5x51
eseguito nel 1981
provenienza: galleria lucio amelio, napoli
l'autenticità dell'opera è stata confermata verbalmente ed è in corso di registrazione presso la fondazione keith haring, new york

“la capacità di sedurre e apprezzare l’arte della seduzione è la fonte di molta della mia ispirazione per il lavoro e la vita…. sembra ridicolo che qualcosa come il sesso possa occupare un posto così importante nella vita di uno che dovrebbe “avere il profondo dono dell’invenzione artistica”, ma ce l’ha e ce l’ha sempre avuto…è sempre stato impossibile separare arte e vita, per me, e la vita era inevitabilmente dominata dalla sessualità” keith haring

mario schifano (1934-1998)
en plein air n°1

firmata e datata schifano 63 in basso a destra
tecnica mista su carta applicata su tela
cm 68x98
eseguita nel 1963
opera registrata presso l'archivio mario schifano, roma, borgo pio, con il numero 01351090103, in data 06-05-05

giulio turcato (1912-1995)
cangiante ocra

firmato turcato in basso a destra
olio e tecnica mista su tela
cm 70x80
eseguito negli anni ’80
opera registrata presso l'archivio giulio turcato, roma, con il numero bm70504ml06aa